FUNCIONES DE LA IMAGEN 

Las imágenes pueden tener diferentes funciones:

FUNCIÓN EMOTIVA O SENTIMENTAL

La función emotiva de la imagen es aquella que activa y estimula nuestras emociones. Transmiten emociones y sentimientos. Utiliza elementos que en su conjunto acceden a la memoria emotiva o afectiva del ser humano. Está vinculada con el emisor.

FUNCIÓN APELATIVA O CONATIVA

Su objetivo es convencer. Induce a realizar algo. Relacionada con el receptor.

FUNCIÓN POÉTICA

La función poética está vinculada a la capacidad creativa, se refiere a la capacidad que tiene la imagen para sorprender al receptor y usan la belleza. Por eso tiene que ver sobre todo con la forma del mensaje.

FUNCIÓN REFERENCIAL O INFORMATIVA

La imagen representa un hecho o acontecimiento objetivo, una noticia, un viaje, un esquema, un plano, una señal, un mapa, una imagen de marca,… Se caracteriza por la simplicidad y se vincula con el contenido del mensaje. 

FUNCIÓN METALINGÜÍSTICA

Se debe de conocer el código para darle significado. El mensaje debe ser claro y enfocado hacia las personas que lo van a recibir. Está relacionada con el código.

FUNCIÓN FÁTICA

La función fática busca llamar la atención. Se observa en el uso de contrastes, en los tamaños y es un recurso frecuente en algunos mensajes publicitarios. Es la función de mandato y pregunta. El emisor intenta influir en la conducta del receptor. Se relaciona con el canal.

 EDWARD WESTON

Fotógrafo estadounidense nacido en Highland Park, Illinois en 1886. Estudió fotografía en el Illinois College of Photography. Desde temprana edad destacó por su trabajo artístico en fotografía en blanco y negro, aunque en sus comienzos se encuadraba dentro del Pictorialismo. En 1920 decidió que la técnica ya no le agradaba y rompió la mayor parte de sus negativos e impresiones. 

En 1921 conoció a Tina Modotti, quién se convirtió en su amante, y entre 1923 y 1925 mantuvo un estudio en México y se relacionó con los movimientos artísticos del momento. La influencia de su amigo el pintor Diego Rivera supuso un cambio completo en su estilo. Durante su estancia en México mantuvo amistad con Manuel Álvarez Bravo (fotógrafo y cinefotógrafo), Nahui Ollin (pintora y poetisa) y Frida Kahlo (pintora).

En 1922 viaja a Nueva York donde conoce a Stieglitz, quien lo anima a seguir con su trabajo. Esto hizo que Weston se guiara hacia el Modernismo. En 1932 es miembro fundador del grupo f/64 que propone esta estética próxima al realismo, que se enfrenta a la concepción pictorialista de la fotografía. 

A diferencia de los fotógrafos de la costa este de los Estados Unidos, que estaban más interesados en retratar la atmósfera urbana, Weston, establecido en California, se dedica a retratar la naturaleza. En 1936, Weston realiza su serie Océano, integrada por fotografías tomadas en las dunas, de la que destacan los desnudos de Charis Wilson, su segunda esposa.

En 1923 Weston viaja a México con su hijo Chandler y Tina Modotti, quien lo introduce al más importante ambiente artístico de la época, formado por Diego Rivera, David Álfaro Siqueiros y José Clemente Orozco. Durante su breve estancia en México realizó retratos magistrales, entre los cuales destacan el de Lupe Marín y el de Tina Modotti, de quien hace también una serie de desnudos.

Por cerca de 20 años, Weston se dedica a retratar formaciones rocosas, cuevas y árboles en Point Lobos, imágenes que han sido consideradas como reflexiones sobre la vida y la muerte. En 1948 realiza el último negativo de la serie Point Lobos, pues le diagnostican el mal de Parkinson, que lo obliga a solamente supervisar las impresiones hechas por sus hijos Brett y Cole Weston.

Fue miembro fundador del Grupo f/64 junto con los fotógrafos Ansel Adams, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y Sonya Noskowiak. A lado de Edward Steichen, organiza la sección americana de la exposición Film und Foto –en la que también participa Cecil Beaton–. En 1951 es nombrado miembro honorario de la American Photographic Society. Weston es el primer fotógrafo en recibir una beca otorgada por la Fundación Guggenheim (1937). Muere en Carmel en 1958.

        

 MINI PLATÓ 

 

 CÍRCULOS, LÍNEAS, TEXTURAS, PUNTO DE VISTA  

 EL RESPLANDOR 

1. Escribe una frase que para ti sea significativa para representar la película.
A pesar de su lento desarrollo, la trama consigue mantenerte en constante estado de alerta pues nunca esperas lo que va a pasar.

2. Describe una escena interesante de la película y argumenta tu elección.

La escena donde Wendy tras volver de jugar con Danny por la nieve y por el laberinto, va a buscar a Jack en su despacho donde él estaba "escribiendo" para su novela( cuando en realidad se la pasó jugando con una pelotita o procrastinando), ella entra y le pregunta cómo va y si puede leer lo que lleva escrito. Él enfurece y le dice que no entre a distraerle y que se marche, aún así ella le dice que luego pasaría a dejarle la cena pero el empieza a gritar que nuca más vuelva a molestarlo mientras se encuentra en esa habitación y que solo le distrae mientras rompe una hoja de su manuscrito en sus narices, le echa la culpa de no avanzar con el libro y le pide que empiece largándose dejándole en paz para concentrarse. La escogí ya que deja ver que incluso antes de entrar a vivir a ese hotel, tenían problemas familiares y de violencia de género, ya que se puede ver como claramente Jack maltrata a Wendy.

3.¿Cual es el conflicto que consigue que se genere tensión e interés por continuar viendo la película?

Desde la primera imagen de la película, en la que un plano aéreo persigue entre las montañas al coche del protagonista, Jack Torrance (Jack Nicholson), percibimos que hay algo oscuro que le amenaza. Algo que puede corresponder a una maldición que habita en el Hotel Overlook al que se dirige para trabajar como vigilante en la temporada de invierno. Todo ese inicio está lleno de señales, como cuando el dueño del hotel le informa en tono jovial de que un anterior vigilante perdió la cabeza y mató a su familia una década antes. "Eso no me pasará a mí", dice Jack, confiado, aunque matar a su familia es exactamente lo que intentará hacer más adelante en la película. Tampoco es casualidad la mención en una de las primeras conversaciones al caso de la infame Expedición Donner de 1986, en la que unos viajeros quedaron atrapados por la nieve en una montaña y tuvieron que recurrir al canibalismo para sobrevivir.    

4. ¿Quién es el director?
El director de esta película es el célebre cineasta Stanley Kubrick.

5. ¿Ha hecho algunas películas interesantes antes de ésta?

Kubrick también dirigió muchos otros éxitos como Espartaco, La naranja mecánica, Lolita y 2001: Odisea en el espacio.

6. ¿Tiene esta película algún reconocimiento o premio especial? ¿cuales?

Este largometraje recibió el Premio Saturn al mejor actor secundario y el Premio Saturn a la Mejor Colección de Películas en DVD.

7. ¿A qué tipo de público se dirige la película? ¿Por qué?, ¿Qué te lo hace pensar?Parece una obra orientada al público adulto pues a pesar de no ser una película extremadamente violenta la trama se va volviendo cada vez más oscura desvelando siniestros hechos acontecidos en el pasado. Principalmente se descubre el maltrato de Jack hacia su familia relacionado estrechamente con su alcoholismo.

8. ¿De qué género cinematográfico se trata? ¿Es una comedia, una película para niños, un western, una película de amor, de terror, un drama, un documental, etc.?

El resplandor es sobre todo un thriller psicológico y de misterio.

9. ¿Piensas que el guión (la historia) está bien planificado?

Sí, ya que cuenta la historia con una continuidad de hechos ordenados en el tiempo y avanzando progresivamente hasta llegar a un final que la cierra. 

10. ¿Es fácil de entender o te parece complicado?

En mi opinión, depende de cuánto interés tengamos en llegar al verdadero trasfondo de esta película. Podemos conformarnos con la primera impresión que nos da o podemos tratar de comprender el significado no tan superficial de la trama. En este caso, debido a numerosas metáforas y simbologías podemos llegar a pensar que la historia oculta es el presunto abuso sexual de Jack hacia su hijo, Danny.

11. ¿Las escenas siguen una a la otra linealmente o hay saltos en el tiempo?

Las escenas siguen una progresividad lineal a pesar de existir saltos en el tiempo, ya que estos son hacia adelante y omiten momentos en los que no se aporta nada a la trama.

12. ¿El conjunto de la narración parece realista, te puedes identificar con ello?

No creo que la situación general sea un caso común. Sin embargo, el hecho de estar aislado sin contacto con otras personas y apartados de la sociedad puede causar delirios y tensiones entre las personas aisladas, haciendo salir lo peor de ellos y llevar a casos de locura, que ya han sido varios registrados en la historia, como Jack en esta cinta.

13. ¿Cómo juzgas la interpretación de los actores? ¿Resultan convincentes en sus papeles, o parecen falsos?La actuación del reparto es sublime. Claro que es natural si tenemos en cuenta que Kubrick usaba un método poco ortodoxo para conseguirlo. Varios actores que trabajaron con él decayeron posteriormente debido a la tortura psicológica a la que habían sido sometidas. Este fue el caso de Shelley Duvall quien interpretó a Wendy Torrance.

14. ¿Que personaje te ha gustado mas? ¿por qué?

Mi personaje favorito es sin duda Wendy. Me parece una mujer que, a pesar de lo que se puede pensar al verla tan aparentemente delicada y débil, es en el fondo extremadamente fuerte y capaz de luchar por su hijo y por sobrevivir.

15. ¿Que opinión te merece la película en general? Arguméntalo.

Desde el principio se ve que es una película de progresión lenta que te prepara para el clímax, cuando Jack pierde totalmente el juicio y ocurre lo que ya nos temíamos desde el inicio, intenta matar a su familia. durante ese tiempo te muestran el desarrollo de los personajes, de cómo poco a poco empiezan a desconfiar unos de otros y cómo van descendiendo a la locura. Sinceramente para mí la premisa de un final tan impactante y violento me llevó a querer seguir viéndola. Además las tomas me parecieron muy bien hechas y encuadradas y los objetos en rojo son un detalle muy cuidado y que resaltaba en cada escena. Me gusta la película y me parece buena, no me termina de encantar por el hecho de que vaya tan despacio la trama y solo haya un par de minutos de "acción" pero como película psicológica se merece su buen reconocimiento.

Paola Lumbreras y Mercedes San Martín

 ESCALA DE ICONICIDAD 

El término iconicidad se refiere al grado de similitud entre una imagen y su referente en la vida real. Podríamos decir que una imagen con alta iconicidad es realista, una con un grado medio de iconicidad es figurativa y si su iconicidad es nula será una imagen abstracta.

Según la escala existen 11 niveles de iconicidad:

11. La imagen al natural

Restablece todas las propiedades del objeto y existe identidad.

Cualquier percepción de la realidad obtenida directamente a través de la visión.

10. Modelo tridimensional a escala real

Restablece todas las propiedades del objeto y existe identificación pero no identidad. 

                                                        

9. Hologramas

En este nivel vemos las imágenes de registro estereoscópico que restablecen la forma y posición de los objetos emisores de radicación presentes en el espacio.

8. Fotografía en color

Es cuando el grado de definición de la imagen esté equiparado al poder resolutivo del ojo medio.

7. Fotografía en blanco y negro

Igual que la anterior.

6. Pintura realista

La pintura de representación realista que restablece razonablemente las relaciones espaciales en un plano bidimensional.

5. Representación figurativa no realista

 Aún en estas imágenes se produce la identificación, pero las relaciones espaciales están alteradas.

4. Pictogramas

Las imágenes son pictogramas y todas las características sensibles, excepto la forma, están abstraídas.

3. Esquemas motivados

Las imágenes son esquemas motivados y tienen todas las características sensibles abstraídas.

2. Esquemas arbitrarios

En este nivel, las imágenes no representan características sensibles. Las relaciones de dependencia entre sus elementos no siguen ningún criterio lógico.

1. Representación no figurativa

Las imágenes tienen abstraídas todas las propiedades sensibles y de relación.

 HOMENAJE A CINDY SHERMAN 

  CINDY SHERMAN 

Nacida en Nueva Jersey en 1954, Cyntia Morris Sherman no manifestó su vocación artística hasta que llegó a la Universidad de Buffalo. Allí comenzó pintando, pero pronto se dio cuenta de que no era lo suyo; de la pintura reconoce: «... no había nada más que decir. Estaba meticulosamente copiando otro arte y entonces me di cuenta de que sólo podía usar la cámara y desarrollar mis ideas con ella». Y ciertamente, fue en la fotografía donde encontró su medio de expresión, llegando a convertirse en una de las fotógrafas más relevantes.

La artista no duda en recurrir al artificio, en la expresión y en la preparación, para narrar una historia valiéndose de una sola imagen, para incitar a la imaginación a que invente la historia que hay detrás. Y, al parecer, todo comenzó por la afición a disfrazarse que tenía desde que era niña; reconoce que no sabe si por aburrimiento, como terapia o por su fascinación por el maquillaje. El caso es que comenzó jugando con disfraces y maquillaje en la intimidad de su casa, pero, alentada por Robert Longo, a quien conoció en la universidad, se decidió a inmortalizar sus “performances” ante la cámara.

Sherman aparece en la mayoría de sus obras porque le gusta trabajar sola y hacer todo por sí misma y, aunque preste su imagen, su intención no es dejar su esencia, por eso deshecha las imágenes cuando se parecen demasiado a ella. Experimentó también con naturalezas muertas en las que no se muestra, pero lo cierto es que los coleccionistas que quieren una obra de Cindy Sherman, la quieren con ella y pueden llegar a pagar sumas exorbitantes. Así demuestra su obra Untitled #96, que se subastó en 2011 en Nueva York por casi cuatro millones de dólares.

Las imágenes de sus comienzos pronto llamaron la atención del público. Entre 1977 y 1980 realiza la serie Complete Untitled Film Stills en la que adopta multitud de clichés femeninos típicos de la sociedad machista (prostituta, ama de casa, drogadicta, despechada, bailarina). Sus fotografías, realizadas en blanco y negro, se asemejan a fotogramas de películas de los años 40-50.

Otra serie de gran importancia en su carrera fue Centerfolds que en 1981, hizo por encargo de la revista de arte neoyorquina “Artforum”. Estas fotos, impresas a doble página y en un formato muy apaisado acorde con las dimensiones de la revista, muestran a mujeres frecuentemente tumbadas con un rostro inexpresivo o preocupado. En estas imágenes muchos vieron una connotación de abuso sexual adjudicando a esta razón la molestia o preocupación que mostraban estos retratos.

En sus series Fairy Tales (1985), a partir de una línea de trabajo parecida a la que desarrolló en Untitled Film Stills, pero muy diferente en términos estéticos. En ella revisa la iconografía de los cuentos infantiles. Lejos del ensueño de las películas animadas, en cada una de las fotografías se observan referencias a los cuentos de hadas, pero desprovistas de su carácter agradable, donde los personajes cobran un sentido perturbador, con una iluminación tenue y caracterizaciones inquietantes.

Al igual que en series previas, en Disasters (1986) Sherman retoma elementos del cine, aunque en esta ocasión se sumerge en el imaginario de las películas de terror. En las fotografías de Disasters es posible apreciar la atención al detalle de la artista, quien cuida cada aspecto de la escenografía para llevar al máximo su potencial emotivo, incluso en las tomas donde no hay personajes visibles. La serie marcó un punto de inflexión en la producción de Cindy Sherman,  donde se decantó por lo grotesco. 

                                            

 En Disgust pictures (2004) Cindy explora los impulsos extraños, monstruosos y carnavalescos que se expresan a través de los cuentos de hadas, humor negro, payasos y máscaras.

                             

En otra conocida serie History Portraits (1988-1990). En sintonía con las discusiones feministas y posmodernas gestadas a finales de la década de 1980 y principios de los años 90, Cindy Sherman trabajó en esta serie en la que recrea algunas pinturas de periodos como el Renacimiento o el Barroco. La artista utilizó elementos prostéticos y filtros aplicados en la foto con el fin de hacer evidente que la imagen está «armada», y que se puede recrear y desmontar. Sherman personifica figuras de pinturas clásicas de la historia del arte, tales como "Baco enfermo" de Caravaggio, entre otros.

La llegada del nuevo milenio supuso un cambio para Sherman: después de 22 años de trayectoria, con varias exposiciones exitosas, la artista reinventó la dirección de su trabajo al observar los resultados de sus primeros proyectos. Con The Head Shots (2000-2002), Sherman volvió a aparecer como modelo, en esta ocasión con caracterizaciones de mujeres en vestidos elegantes o con un estilo urbano. Esta serie, dentro de la carrera de Sherman, se puede apreciar como un corte de todo lo aprendido hasta la fecha, ya que cada imagen contiene referencias a trabajos anteriores: por ejemplo, algunas poses remiten a las de Untitled Film Stills (serie de finales de la década de 1970); el uso de maquillajes grotescos se asemejan en gran medida a sus imágenes para revistas de moda, mientras que el juego de luces recuerda a lo que trabajó en History Portraits.

En Clowns (2003-2004) retoma la estética de los payasos para indagar en la representación de las emociones y su recepción cultural, aunque, como en otras series, la fotógrafa le añade un carácter inquietante en algunas tomas, donde la paleta de colores alegre contrasta con muecas de tristeza o una expresión intimidante.

 En Society Portraits (2008) de nuevo el maquillaje exagerado y las poses aparecen como recordatorios de que los entornos sociales son construcciones que se elaboran desde la imagen. La atmósfera de los escenarios en cada toma le brinda al público herramientas para contrastar las nociones de lujo y comodidad actuales frente a las de otros tiempos.

Con Fotografías para Instagram (2017- ), aún en desarrollo, la artista trata de plantear una crítica a la facilidad que tenemos para modificar nuestra representación de la realidad en las redes sociales.

La fotógrafa nunca ha querido dar título a sus obras, que son conocidas por su número de inventario, pues considera que es el espectador a quien corresponde atribuir un significado a la imagen y no querría crear una idea preconcebida en él.

Ahora pasaremos ha contextualizar de forma imaginaria una de las fotos de esta artista.

Untitled Film Still #58

 

Marie es una joven que nació en un pequeño pueblo de Nueva Jersey. Criada por una familia cristiana creció en el pensamiento de que su papel como mujer era encontrar un hombre con el que casarse y comenzar una familia. Su primer novio del instituto tenía una motoclicleta, algo que a Marie le fascinó. A sus 18 años convenció a sus padres, con mucho esfuerzo, para que le regalasen una. Desde entoncés todo cambió en la vida de la joven salvo su amado y característico vehículo. Poco a poco fue conociéndose a sí misma y descubriendo su verdadera manera de ser. Después de besar a una compañera de clase, Marie se vio obligada a abandonar el lugar donde nació pues todo el pueblo se enteró y no podía volver a casa. Tan solo con su motocicleta no paró hasta llegar a la gran ciudad de Nueva York. Allí, descubre un ambiente totalmente nuevo y diferente en el que siente que encaja y en el cual puede ser feliz.

 HOMENAJE A VIVIAN MAIER

                 

VIVIAN MAIER

Vivian Maier (Nueva York, 1 de febrero de 1926 - Chicago, 21 de abril de 2009)​ fue una fotógrafa estadounidense aficionada que trabajó como niñera en Chicago durante cuatro décadas.

Sus padres, refugiados judíos, fueron la francesa Maria Jaussaud y el austríaco Charles Maier. Pasó su infancia entre Francia y Estados Unidos. Hacia 1930, fue abandonada por su padre. Junto a su madre convivió una temporada con una pionera de la fotografía, la surrealista Jeanne J. Bertrand; es posible que ahí naciera su interés y su vocación.​

En 1951, con 25 años, se mudó a Nueva York y en 1956 a Chicago, donde pasó la mayor parte de su vida.

Maier no revelaba muchos de sus carretes, solo tomaba fotos sin descanso y sin que pareciera importar el resultado final.

Hacia el final de su vida, quedó sin vivienda pero los tres hijos Ginsberg a los que había cuidado de niños le pagaron el alquiler de un apartamento y cuidaron de ella hasta su fallecimiento en 2009.​

En diciembre de 2008, cuando caminaba sobre hielo, se cayó y golpeó en la cabeza. Fue llevada a una residencia de ancianos en Oak Park donde falleció cuatro meses después, a los 83 años.​

En 2007 John Maloof estaba buscando información para escribir un libro de historia sobre Chicago NW Side llamado Portage Park y acudió a una subasta donde compró un archivo de fotografías por unos 380 USD. La casa de subastas había adquirido sus pertenencias de un almacén guardamuebles porque había dejado de pagar las cuotas.​
John Maloof comenzó a revisarlo y lo desechó para su investigación. Decidió revelar una parte y revenderla en Internet. Fue entonces cuando el reputado crítico e historiador de fotografía Allan Sekula se puso en contacto con él para evitar que siguiera dispersando aquel material prodigioso y lleno de talento. Maloof, consciente del tesoro rescatado prácticamente de la basura, empezó un minucioso trabajo de investigación, recuperación y protección del archivo de Vivian Maier.​

Yo creo que desde que descubrió la fotografía a Vivian le fascinó, pero como era una mujer responsable y realista pensó que no se convertiría en una fotógrafa reconocida y que debía buscar una mejor forma de ganarse la vida. Debido a esto, trabajó siempre como niñera y dejó la fotografía como un hobby casi secreto, reservando sus fotografías para sí misma por miedo al juicio y opinión de otros. Además, sus fotos reflejaban momentos cotidianos con los que se topaba cuando caminaba por la ciudad y los cuales ella capturaba casi sin ser vista, por eso puede que se considerara "como una especie de espía". Esta podría ser una de las razones por las que prefería pasar desapercibida. Sin embargo, considero que le habría encantado ver que a la gente le gustan sus fotografías y la fama que ha adquirido con el paso del tiempo, aunque pienso que, sin haber tenido nada de lo anterior, Vivian Maier fue bastante feliz durante su reservada vida.

Pasemos a la lectura de las siguientes fotos:

Observamos una fotografía en blanco y negro y cuadrada, como es característico en las obras de Vivian Maier. Tiene una angulación ligeramente contrapicada. 

Podemos ver una escena nocturna que se desarrolla en el exterior, en lo que parece una calle de adosados. A pesar de estar bastante oscuro la acción central aparece bastante clara. Un policía y un hombre trajeado agarran por los brazos a otro indviduo con sombrero, arrastrándolo con esfuerzo. En el fondo podemos divisar

un coche, un edificio en el que cuelgan distintos carteles de locales, y algunas personas que presencian la escena.

Creo que Maier paseaba o se dirigía hacia su casa como una noche cualquiera y se topó con esta situación que seguramente sería recurrente en aquella época. Vivian solía tomar fotos a acontecimientos cotidianos de los que era testigo a diario y, por eso, una vez más decidió sacar su cámara e inmortalizar el momento. Su objetivo pudo ser simplemente capturar una imagen común en la sociedad de entonces, así como reflejan una gran mayoría de sus fotografías. A mí personalemente esta fotografía me transmite cierto sentimiento de pena y compasión, pues en mi mente es tan solo un pobre hombre al que arrastran tal vez al calabozo o algo parecido por el simple hecho de no tener un techo bajo el que pasar la noche. Quizá ha sido acusado injustamente de algún delito. Y digo injustamente porque no percibo ni una pizca de maldad de este aparentemente indefenso hombre que ni siquiera parece oponer resistencia.

Vemos otra obra de la misma autora. Esta vez está en formato vertical, a color y la angulación es normal. La fotografía es de una especie de cristal en el que, por un lado, podemos ver el reflejo de la propia Vivian Maier y detrás de ella algunos árboles y edificios. Y por otro, en el lado contrario del cristal vemos a una mujer de avanzada edad, apoyada en la pared y vistiendo un grueso abrigo de pelo gris, al igual que su cabello corto en el que asoman algunas canas.  

El claro cielo que aparece reflejado parece indicar que esta foto fue tomada a primera hora de la mañana y no parece que abunden los paseantes por la zona. Tan solo vemos tal vez una tercera persona, al lado de la señora, utilizando lo que podría ser un teléfono. La anciana podría estar ya aburrida de esperar para usarlo y esto ha provocado la interesante expresión de su cara. Puede que Maier caminase tranquila por aquel lugar, se encontrase con aquella curiosa escena y quisiese capturarla con su cámara. Se me hace muy interesante la expresión casi hierática de la mujer pero que, a la vez, me transmite tantas cosas. Para mí su rostro evoca cierta tristeza y su mirada hacia el infinito una definitiva nostalgia, quizá producidas ambas a causa de una reflexión sobre el paso del tiempo, sobre cómo evolucionan y cambian sin parar las cosas y una detallada retrospección sobre todas aquellas experiencias ocurridas en la vida que le ha tocado vivir y cuyo fin queda ya no muy lejos.

     

LECTURA DE IMÁGENES 

Eugenio Recuenco, nacido en 1968, es uno de los fotógrafos españoles más creativos de moda y publicidad del mundo por sus fotografías pictóricas.

Su carrera se desarrolla con la fotografía y el vídeo como formas de expresión entremezcladas en multitud de canales como el cine, la publicidad o la moda.

Actualmente es uno de los grandes referentes de la fotografía española ya que se le considera un auténtico artista que construye historias en sus imágenes sin dejar de lado el tinte crítico. Entre sus múltiples obras destaca su exposición 365, a la cual pertenece la siguiente foto.

Observamos una fotografía vertical y en color. El plano es general y tiene una angulación ligeramente contrapicada. La escena se desarrolla en un interior conformado por cuatro paredes oscuras, suelo y techo del mismo color y tan solo una pequeña ventana cuadrada en la esquina superior izquierda de la habitación.

En el centro de la imagen vemos una mujer detrás de una valla metálica que cuelga de esta agarrada con los brazos por delante. Tiene el pelo largo, rubio bastante claro y lleva flequillo. Su piel es blanca y lleva puesto únicamente una especie de chaqueta azul marino. No lleva zapatos pero sostiene un papel en su mano derecha. En él hay escritos dos números que ocupan la mayor parte de la hoja y de los cuales solo alcanzamos a ver el segundo, que es un 6.

En la parte izquierda de la vaya hay un cartel que dice "Danger, no trespassing" de color rojo y blanco.

La mujer mira hacia la izquierda, desde donde proviene un potente foco de luz circular que proyecta su sombra en el fondo derecho de la estancia.

Parece tener el rimmel corrido y podríamos especular que es una fugitiva que trata de escapar de la policía desesperadamente y que, al no tener escapatoria, se ve obligada a saltar esa vaya sin conocer lo que hay al otro lado y a pesar de que se le advierta que no es nada bueno.

 

 

 

 

 

 

 

 

  ONE DAY IN 5 SHOTS